京剧的角色

京剧的角色是根据男女老少、俊丑正邪分成生、旦、净、丑四大行当，以演历史故事为主。它的富有装饰性和夸张性的人物造型－脸谱，是显示人物性格、辨认善恶忠奸的象征与其辉煌艳丽的头饰服装，都成为京剧独特的风格。传统剧目约有一千三百多个，常演的有四百多个。

\"生\"分为：\"老生\"--指成熟的中年男子，以正派人物或帝王将相出现。\"小生\"--表现的是青年男子。 \"旦\"分为：\"青衣\"--指中年妇女，一般指贵族家庭的夫人、小姐。\"武旦\"--指能打斗的女性。\"花旦\"--指青年小姑娘，社会底层的女性，如\"丫鬟\"。

\"净\"指各类花脸,一般演性格、品质或相貌上有特异之处的男性人物。

\"末\"也属老生类，但在年龄上应更老，思维糊涂，生活在底层的老人。由于化妆时在鼻梁上抹以小块白粉而俗称\"小花脸\"，又同净角的大花脸、二花脸并列而俗称\"三花脸\"。

\"丑\"指小花脸，大多也是表现生活在社会底层的人，民间义士等多表现机敏、滑稽。 京剧的特点

（1）舞台和时空方式

京剧舞台过去没有大幕，观众一眼就能看清整个舞台。舞台上一般只有一张带“桌围”的桌子、两把带“椅披”的椅子，称为“一桌二椅”。桌围和椅披上都有装饰性的绣花。有时舞台上什么也没有。后来在台前增加了大幕，演戏之前用它把舞台遮掩起来。有时在演出过程中又拉上一道幕，称为“二道幕”，用它把摆设桌椅、演员换装等准备工作挡在幕后，幕前可同时有演员表演，使京剧的演出更加紧凑。

京剧舞台的时间、空间是非常自由的，它不受实际生活的时空。大幕拉开后，在演员没上场之前，舞台并不表示任何时间、地点。京剧舞的时空是靠演员的活动来确定的。比如，京剧中某个角色上场后，通过念白、歌唱，可以表明舞台是他的书房。但是他下场后这个书房就不存在了，紧接着另一个角色上场，通过他的身段表演，可以表明舞台是一条崎岖的山路。当一个人在自己家里闲坐无事，想到朋友家走走，便在舞台上走一个圆圈（叫做“圆场”），他的家也就转换成他朋友的家了。 又如，当剧中人听到一个意外的消息，感到震惊，这本是个瞬间的心理反应，但是为了刻画人物，可以用很长的时间来歌唱。相反，像写信、看信、饮酒过程，本来是需要一定时间的，但是为了简炼，只表演一下姿态，同时吹奏一支唢呐曲牌，就完成了。

因此，观众在欣赏京剧时，需要随着演员的念白、歌唱和表演，发挥自己的想象力，这样才能理解戏里的时间、地点和环境。 （2）角色类型

京剧的角色类型俗称“行当”，主要是根据剧中人物的性别、年龄、身份、地位、性格、气质等划分的。京剧的行当划分，是从昆曲和徽汉等古老剧种衍变而来。起初分生、旦、末、外、净、丑、杂、上手、下手、流行等十门角色。后来由于表演艺术的发展和剧目的丰富，严格的行当界线被打破了，综合成生、旦、净、丑四大行当。各行中又包容了几个不同的角色类型。

如生行中有：老生（主要扮演帝王及儒雅文弱的中老年人。有些唱打兼有的武将，如花云、岳飞、黄忠等，则属于“靠把老生”，亦归老生行）、武生（勇猛战将或绿林英雄）、小生（主扮演英武气盛、风流倜傥的人物，如周瑜、吕布，以及英俊的青少年人物）、红生（如关羽、赵匡胤一类人物），剧中的儿童一类角色，则称娃娃生。 旦行中有：正旦（或称青衣）（端庄娴静的女子）、花旦（天真活泼的少女或性格泼辣的少妇）、武旦（巾帼女将，绿林侠女及神话中的妖女灵仙等）、老旦（老年妇女）、彩旦（性格爽朗风趣的妇女或顽的恶婆等）。 净（又称“花脸”）行中有：正净（庄严凝重的忠臣良将）、副净（绿林草莽英雄或权臣奸相等）、武净（慓悍战将或神话中的灵仙妖怪等）。 丑（又称“小花脸”、“三花脸”）行中有：文丑（伶俐风趣或阴险狡黠一类角色）、武丑（精明干练而风趣幽默的豪杰义士等不同的行当，在唱、念、做、打、服装、化妆等方面都各具特色。在同一行当中，又分出若干流派。各派根据自身的条件和对艺术的理解，在传统的基础上进行革新创造，形成与众不同的风格特色。 （3）唱腔伴奏

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京剧的唱腔主要是“西皮”和“二黄”，简称“皮黄”。西皮、二黄是两种腔调的总称，它们都分为若干“板式”。这些板式都是以一种曲调为基础发展变化出来的。西皮、二黄都有“原板”、“慢板”、“快三眼”、“散板”、“摇板”等板式，西皮还有“二六”、“流水”、“快板”。

西皮类、二黄类的同类各种板式之间，既有联系，又有不同。不同之处在于节拍的强弱、整散，节奏的疏密，速度的快慢，旋律的繁简等。这些板式既可成段，也可连接成套。不同的板式表达不同的感情。在唱念做打中，唱居首位。唱腔是塑造人物形象的重要手段。京剧除西皮、二黄外，还有“四平调”、“南梆子”、“高拨子”等腔调。

京剧音乐也是程式化的，各种腔调、板式可以重复使用（当然不是完全照搬）。例如《女起解》中的苏三唱“西皮慢板”，《汾河湾》中的柳迎春也唱“西皮慢板”。这在歌剧中是绝对不允许的。因此，欣赏京剧需要仔细分辨唱腔的差异。

为了配合表演、描写环境、渲染气氛，常常演奏一些器乐曲，这就是“曲牌”。这些曲牌有长有短，有用唢呐、笛子吹的，有用胡琴拉的，各有各的用途。比如，元帅升帐吹“水龙吟”，迎送宾客吹“工尺上”，灵堂祭奠奏“哭皇天”等。

锣鼓在京剧中占有重要地位，唱念做打都离不开它。它的特点是音响强烈，节奏鲜明，用来加强节奏，制造气氛。比如战斗场面，如果没有锣鼓伴奏，那是不可想象的。京剧锣鼓有许多锣鼓点子，叫做“锣鼓经”。它有一定的打法，但又有灵活性。“锣鼓经”主要分为开唱锣鼓和身段锣鼓。开唱锣鼓是唱腔前打的锣鼓，作为先导引出唱腔。身段锣鼓是配合表演、武打的锣鼓。

京剧锣鼓还有个特殊作用，就是用来统一各种表现手段。凡是唱念做打的转换，舞台节奏快慢的调节，都是靠锣鼓来完成的。因此锣鼓贯穿全剧始终。

京剧的念白也很有特色。它不同于日常生活语言，而是经过艺术加工的、富有音乐性的舞台语言。 京剧的念白主要分为“京白”和“韵白”。京白是北京话经过初步加工而成，它的节奏快慢、声调起伏较为夸张。京剧的花旦、丑角都念京白。韵白使用的不是北京话，而是“中州韵”，听起来和北京话很不一样。它是经过进一步加工的舞台语言，节奏、声调更为夸张，更富有节奏感和韵律美。京剧的老生、青衣、花脸、小生、老旦等都念韵白。念白能够简洁明确地表达思想内容，具有独特的表现力。

欣赏京剧和欣赏歌剧不同，观众和演员可以直接交流。比如，一个演员抬起一手，用水袖挡住另一个演员的视线，面向观众说出自己的心里话，而假定另一个演员听不见这些话，叫做“打背躬”。看京剧不像看歌剧那样拘束，观众对演员的评价，可以随时做出反应。比如，对演员高超的武功、优美的拖腔，对琴师演奏的精彩“花过门”，可立即报以热烈的掌声，并可大声叫好。演员受到观众的鼓励，演得更加卖力，这样，台上台下呼应，剧场充满热烈的气氛。 （4）服装脸谱

传统戏曲剧目大多取材于历史故事，反映各个朝代的生活，表现的人物有帝王将相、才子佳人和三教九流各式人物。不同朝代和不同地位的人，他们的服饰各不相同，扮演不同的角色这就逼得戏曲艺人在戏装的穿戴上制定出一套规矩。

戏装的样式，是表现角色社会地位的重要标志。以头盔来说，大体可分冠、帽、盔、巾四类。帝王戴王冠，文官戴纱帽，武将戴盔头，穷书生戴方巾。同是冠帽，翅子的样式又分向上、平直、向下三种。向上的叫朝天翅，为帝王和高级臣僚所戴；一般文官的纱帽为平直翅；向下的翅子都为非所戴。同样戴一顶纱帽，插上金花的是状元，加上套翅的便是驸马。戏衣分蟒（包括官衣）、靠、披、褶等。一般规律是帝王和文官穿蟒袍，武将穿靠衣，平民百姓多穿褶衣。

戏衣的色彩很有讲究，一是表现等级，帝王穿黄色，一品至四品官穿绯色，五品以下穿青、绿色；二是表现风俗，喜庆场面穿华贵的颜色，刑场上犯人穿红色，哀悼之服为白色；三是表现情景，林冲夜奔穿黑色，突出一个“夜”；四是表现精神气质，关羽红脸绿袍，表现出能文能武、亦智亦勇；五是表现舞台整体美，元帅升帐，一群大将分穿红、绿、白、黑色的靠衣。

纹样在戏装中，不仅是美饰，也具有象征意义。皇家和大臣的服装多用龙纹图案，它是封建权威和尊严的象征；武将的开氅多用虎豹图案，象征勇猛；文生的褶子描绘梅、兰、竹、菊，与他们的性格气质有关；而谋士的戏装用极图、八卦来象征智慧和道术。

戏装的不同着法，也体现了不同的情景。一件腰裙，系在衣服外面，走路时两手拈着裙角，表现了

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奔波凄惨的情境；文生的巾后垂的两条飘带，系到巾子边上，在左侧打个结，也可以表现出行色匆匆；元帅出征前，扎靠、披蟒,就给人戎马倥偬的感觉。 脸谱艺术的发展与中国戏曲的发展是密不可分的。大约在十二至十三世纪的宋院本和元杂剧的演出中，就出现了面部中心有一大块白斑的丑角脸谱。

为适应露天演出，所勾脸谱一般只用黑、红、白三种对比强烈的颜色，强调五官部位、肤色和面部肌肉轮廊，如粗眉大眼、翻鼻孔、大嘴岔等。这种原始的脸谱是简单粗糙的，随着戏曲艺术的发展逐渐装饰化了。到十八世纪末和十九世纪初，京剧逐渐形成相当完整的艺术风格和表演方法后，京剧脸谱也在吸收各地方剧种脸谱优点的基础上，经几代著名演员和戏剧艺术家的不断探索研究，加工提高，创新改革，得到充分的发展。图案和色彩愈来愈丰富多彩，各种不同人物性格的区分也越加鲜明，并创造出许许多多历史和神话人物的脸谱，形成了一套完整的化妆谱式。

脸谱的作用，是通过脸谱的色彩、图案来表现角色的性格、品质、身份、特长、相貌等。表现这样丰富的内容大体上是采用两种手法：一是颜色的变化组合，二是图案的构成。

从色彩上说，现在的京剧脸谱有红、紫、黑、白、蓝、绿、黄、老红、瓦灰、金、银等色，这是从人物自然肤色的夸张描写，发展为性格象征的寓意用色。一般说来，红色描绘人物的赤胆忠心，义勇无俦；紫色象征智勇刚义；黑色体现人物富有忠耿正直的高贵品格；水白色暗寓人物生性奸诈、手段狠毒的可憎面目；油白色则表现自负跋扈的性格；蓝色喻意刚强勇猛；绿色勾画出人物的侠骨义肠；黄色意示残暴；老红色多表现德高望重的忠勇老将；瓦灰色寓示老年枭雄；金、银二色，多用于神、佛、鬼怪，以示其金面金身，象征虚幻之感。

京剧脸谱的构图多种多样，加上五彩缤纷，装饰性很强的各种图案，容易使人眼花潦乱，产生神秘感。其实，归纳起来也不过有十几个类型，由于相互借鉴，相互变化，就派生出许许多多的谱式。这些谱式都是以各种人物的形貌、性格特征为依据的，即使是同一类型的谱式，因人物性格不同，各部位的线条勾画与色彩处理也就各异，使每个人物都富有各自的个性，而绝不雷同。脸谱的构图大体有这样几种：

整脸，基本上以一种颜色为主体把脸涂满，然后再用一种颜色勾画出五官。 三块瓦脸，用线条勾出眉、眼窝和鼻窝，在额部和两颊呈现出三块明显的主色。

十字门脸，这种画法大都是从鼻梁向上画一条色柱并与左右眼窝相连，在脸部中间形成十字形。 碎花脸，正额有一完整主色，其余部位用辅色添勾花纹，色彩种类丰富，构图形式多样，线条复杂而细碎。

象形脸，这种脸谱大部分是神话中的精灵神怪，它是用额头案勾出装饰性的鸟、兽、鱼、虫等图案，表明它是由什么动物化为人形的。

歪脸，一般表现心术不正的歹徒或面部受过伤的人，所以五官歪曲变形。

京剧剧目中，还有不少以神话、传说为题材的，这些戏中的角色多为神妖，他们脸谱的门类，属于“神仙脸”或“象形脸”。其中最著名的角色莫过于孙悟空。他是一只从石头中迸出的猴子，后得道成精，武艺高强，神通广大。他保护唐僧西天取经，一路上降妖伏魔，历经磨难，终取回真经，修成正果，位列仙班。他的脸谱属“象形脸”，图案表现出猴子的面部特征；但他后来又成了神，所以又具有“神仙脸”的特征，即眼窝处涂成金色。额上的珠光表示他乃佛门弟子。 除以上例举的脸谱门类外，还有“太监脸”、“英雄脸”、“小妖脸”等。

关于京剧脸谱，还有一些特例不妨一述。旦角一般不勾脸谱，但也不尽然，钟离春就是一例。此女传说为战国时齐国无盐（今山东东平）人，故又称钟无盐，她能征惯战，颇具男子气，且又生得貌丑，所以在剧中采用了勾画脸谱的处理方法。而无盐毕竟是位女杰，故额上绘有莲花一朵，示其女性身份。

二、京剧乐器的特点

京剧常用乐器分打击乐与管弦乐。其中，打击乐是京剧伴奏乐器中的灵魂。京剧的“唱”、“念”、“做”、“打”完全按照规定的节奏进行，“唱”要有板有眼，“念”要抑扬顿挫，“做”则是舞蹈，而舞蹈必须表现出鲜明的韵律，谁来控制、体现节奏？那就是打击乐。

伴奏的主奏乐器是京胡，伴以管弦乐器和锣鼓。其伴奏称为“场面”。京剧的场面分文、武场。文场伴奏为管弦乐器，包括：京胡、京二胡、小三弦、月琴、笙、笛、海笛、唢呐等；武场伴奏为打击

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乐器，包括：大锣、鼓板、饶钹、小锣、水钹、堂鼓、大铙等。

锣鼓伴奏在京剧的音乐中占有着重要的地位，在唱、念、做、打时都离不开它。京剧锣鼓的特点是音响强烈、节奏鲜明，能够加强节奏，制造气氛。特别是在战斗场面中，锣鼓伴奏是必不可少的。另外，京剧的锣鼓还用来统一各种表现手段，唱、念、做、打的转换、舞台节奏快慢的调节，都是靠锣鼓来完成的，锣鼓要贯穿于京剧演出的始终。

京剧锣鼓有许多锣鼓点子，称为“锣鼓经”。它既有一定的打法，又有一定的灵活性。锣鼓经主要分为“开唱锣鼓”和“身段锣鼓”。开唱锣鼓是唱腔前打的锣鼓，作为先导引出唱腔。身段锣鼓是配合表演、武打的锣鼓。

（三） 脸谱的通用色彩含义有：

1、红色 一般：忠勇侠义，多为正面角色；其他：有讽刺意义，表示假好人；特例：老人显示年轻红光犹在；坏 人做了点好事

2、黑色 一般：刚正威武，不媚权贵；其他：面色不好，丑陋

3、白色 一般：阴险奸诈；刚愎自用；其他：和尙，太监脸谱；表示 老人年迈 4、紫色 一般：刚正威武，不媚权贵；其他：面色不好，丑陋 5、黄色 勇猛而爆躁

6、金色 一般：神仙高人；其他：猛将

7、绿色 一般：勇猛，莽撞；其他：绿林好汉 8、蓝色 刚强阴险 六、京剧的服饰

京剧的服装，是一明代日常生活的服装为基础 ，参照了宋、元两代服装的样式， 同时吸收了清代服装的某些特点， 经过历代艺术家繁荣概括 、提炼 、美化形成的 。可以说 京剧服装融会了宋、 元、 明 、清各个朝代的服装特点， 体现了中华民族的审美情趣和文化意识， 形成了美观 、夸张 、概括力强 、适用范围广等特点。

京剧的服饰一开始都是为扮演某一个角色而设计的。因为好而流传下来，服饰多了，逐渐形成了程式。如穿黄蟒的是皇帝；穿红、紫色蟒的是大臣；穿官衣的是小于大臣的地方官；穿衣裙的是小姐；穿坎肩和裙子的是丫环。武生穿的褶子多绣飞禽；小生穿的褶子多绣花卉；贫困书生穿的褶子上补着不规则的杂色绸子，叫富贵衣；头上缠着带子，身上系着裙子表示这个人有病等等。所以京剧人物一出场，观众就能对他的年龄、社会地位、生活状况和人品等有个简单的概念。 第一 夸张的服装造型 京剧是一门夸张的艺术， 京剧服装也是夸张的服装 。它不受现实生活中一般逻辑和规范的 ，而是大胆运用了象征 、变形等夸张手段来设计各类人物的服装， 为剧中角色服务， 为舞台美学服务。 像靠旗、 水袖等服饰的运用 ，不但成为京剧最显著的特点 ，而且可以表现复杂的心理活动和优美的舞蹈动作。

第二 色彩的充分运用和图案的大胆设计

京剧服装继承了中华民族服饰艺术的色彩传统 ，在用色上非常大胆， 色彩搭配也非常鲜明 ，有浓郁的民族风格。 京剧服饰主要由于十种颜色组成 ，这十种颜色又分为上五色和下五色 ：上五色 红 绿 黄 白 黑 ；下五色 粉 蓝 紫 香 湖 。上五色一般用于社会地位较高者 下五色一般用于社会地位稍低者。

京剧服饰中使用较多的图案是龙和凤。 龙一般用于男性服饰， 凤一般用于女性服饰 。龙和凤是中华民族几千年历史繁衍中产生的图腾， 用在京剧服装上，表示尊贵、 华丽 ，另外经常使用的图案还有寿字， 象征长寿 ；蝙蝠因蝠字同福 ，象征幸福； 梅花象征不怕寒冷， 品质高洁 ；燕子象征身轻如燕等等。

第三 不受时代 地域和季节的

只要是京剧传统戏， 不管是哪个朝代的故事， 哪个地域的人物， 其服装基本上是通用的， 比如西施中的吴王夫差 、上天台中的东汉光武帝刘秀、斩皇袍中的宋太祖赵匡胤 、胭脂宝褶中的明成祖朱隶 ，是前后相差千年， 不同朝代的人， 但其服饰基本是相同的 。同类人物穿相同的服装 ，已经形成了严格的规范 。这是因为京剧剧目成百上千， 不可能每一个剧目 、每一个人物都使用

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独特的服装、 另外， 早期京剧没有固定的演出场地 、演员的流动性很大， 服装太多 ，运输有很多困难。

京剧的服装也不表示季节变化，从形式上分不出单衣和棉衣 。总的原则是除去脸部和手部， 身体的其他部分一般不暴露在外 。如果需要表现天气寒冷或炎热， 一是由演员用动作表示 ，二是用下道具辅助表演， 如扇子、 火盆等 。京剧服装的这一特点， 也从一个侧面表现了封建社会时期人们穿衣服讲究不露肌肤的习俗。 第四 通而不乱的穿用原则

京剧服装虽然能在不同时代的戏中通用 ，却又通而不乱， 有着严格的穿戴原则。 如前面所讲的吴王夫差、东汉光武帝刘秀 、宋太祖赵匡胤、明成祖朱隶 ，他们的服装虽然相同， 但绝不是乱穿， 而是穿能够证明其帝王身份的服装。 如此类推， 各类人物的服装都有穿用界限， 都有严格的穿用规范，有时甚至用料和加工的方法都不一样。 由此， 京剧服装形成了这样的特点 。从服装上 ，很难判定人物的朝代和年代， 但可以判定人物的社会地位 、经济地位 、家庭环境甚至性格。 如果通晓了这一特点 ，就可以非常方便地了解剧情 了解人物 ，也就很容易看懂了 。 京剧服装大致可以分为五类： 蟒、 铍 、靠 、褶 、衣 。在这五类服装中 ，又根据人物的社会地位 、性别、 性格 、职业、 经济状况等有更详细的区别。

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