西方艺术简史

西方艺术简史

一、 古爱琴海地区和希腊艺术

1、爱琴海地区艺术：

米洛斯艺术：BC2800-BC1480年，来自小亚细亚一直部落入侵希腊本土和其周围岛屿，在克里特岛建立王国，史称“米洛斯王国”。

迈锡尼艺术：BC1450-BC1100年，BC1450年迈锡尼人攻打特洛伊城，建立迈锡尼文明。

2、希腊艺术：BC15世纪-BC1世纪

*荷马时期（公元前12世纪-公元前8世纪）

是以古希腊诗人荷马命名的，在特洛伊战争后，爱琴海附近文明趋于衰退，由于这个时代的史料匮乏，很难得到有效的信息，只能由出土文物加以判断。

*古风时期（公元前7世纪-公元前6世纪）

公元前7世纪，古希腊社会进一步发展，古希腊艺术也随之进步。古风早期，古希腊和东方世界的频繁交流使得该时期的古希腊艺术深受东方世界艺术的影响，古风后期，古希腊艺术逐渐形成自己的风格。

*古典时期（公元前5世纪-公元前4世纪）

希腊在波希战争结束后迎来了它的盛期，直到马其顿人征服希腊为止，这段时期被称为古典时期。古典初期的艺术还带有古风时期的痕迹，故而又被称为“过度时期”。

*希腊化时期（公元前4世纪末-公元前1世纪）

希腊化时代指的就是从马其顿人征服希腊到埃及的托勒密王朝为罗马人所征服的这段时期，大致从公元前4世纪末到公元前1世纪中叶，在这个时期，东方地区的古老文明和古希腊艺术相互交流，相互影响。

二、 古代罗马艺术

古罗马：BC9世纪—1453年

古罗马通常指从前9世纪初在意大利半岛中部兴起的文明，历罗马王政时代、罗马共和国，于1世纪前后扩张成为横跨欧洲、亚洲、非洲称霸地中海的庞大罗马帝国。到395年，罗马帝国为东西两部。西罗马帝国亡于476年。而东罗马帝国（即拜占廷帝国）则在1453年被奥斯曼帝国所灭

古罗马文化早期在自身的传统上受伊特鲁里亚、希腊文化的影响，吸收其精华并融合而成。公元前3世纪以后，罗马成为地中海地区的强国，其文化亦高度发展。罗马一统地中海后，整个地中海的财富能够为罗马所用，促成了罗马豪华壮丽和典雅的艺术风格形式。

雕塑：罗马雕塑比希腊雕塑更具有写实性，罗马艺术家寻求真实地栩栩如生的再现模特的外形和面部表情。《奥古斯都·吴大维像》《和平祭坛》

建筑：罗马建筑发扬了希腊建筑的匀称和比例原则。立柱的高度和间距支配着拱券的尺度和间距，确定整个建筑结构和比例。而罗马的建筑比希腊更加宏大，主要归功于水泥和拱顶技术的发明，拱券技术史罗马对欧洲建筑最大的贡献。

罗马公共建筑的两大代表类型，以大斗兽场为例的带长廊的圆形竞技场，以万神庙为代表的穹顶建筑和凯旋门。

绘画：庞培古城遗址的镶嵌画《尼罗河的风光》。

三、 拜占庭艺术

拜占庭帝国：323年，罗马帝国皇帝君士坦丁决定把帝国首都迁往东边的拜占庭，即现在的土耳其首都君士坦丁堡。随后，东西罗马帝国分治。1453年，土耳其人攻占君士坦丁堡，东罗马帝国灭亡。

教堂建筑：拜占廷的教堂格局分为三类：巴西利卡式（如圣索非亚教堂）、集中式（平面为圆形或正多边形）以及希腊十字式。

拜占廷建筑可以分为三个阶段，即前期（4世纪至6世纪）、中期（7世纪至12世纪）和后期（13至15世纪）。

前期是拜占廷建筑的兴盛期，建筑作品大多仿照古罗马式样，主要的建筑包括君士坦丁堡的城墙、城门、宫殿、广场、拱门、高架水道、公共浴场和蓄水池，以及教堂。教成为国教后，拜占廷的教堂建筑越来越大，越来越豪华，至公元6世纪，最终出现了空前壮观的圣索非亚大教堂。

中期建筑反映了这个时期的国家特点，即蛮族外敌相继入侵，国土缩小，国力下降。这一时期的建筑缩小，规模也不如从前。这一时期的拜占廷教堂建筑特点是占地少、向空中发展，取消了圣索非亚大教堂那样的大穹窿，代之以若干小穹窿，并注重内部装饰。这一时期的代表建筑包括君士坦丁堡的Acatalepthos修道院、Chora修道院，以及帝国之外的威尼斯圣马可教堂和基辅的圣索非亚教堂。

后期，十字军数次入侵之后，拜占廷帝国国力大受损失，无力再兴建大型公共建筑和教堂。这一时期建造的拜占廷建筑数量不多，也没有创新，在土耳其人灭亡拜占廷帝国后大多破损无存。君士坦丁堡的圣玛利亚教堂为晚期拜占廷建筑的代表作品。

绘画：拜占廷美术的最大特点是其装饰性、抽象性和宗教寓意。现在存世的拜占廷美术作品大多是教堂中的镶嵌画、壁画和绘画手卷，题材包括耶稣、圣母与圣子、天使和天使长、历代圣人、历代皇帝和主教，以及天堂和地狱的题材。马赛克镶嵌画多为装饰性的，平面构图公式化，善用光辉耀目的颜色，主色为金色和蓝色，间以白、紫、蓝、黄、粉红、绿、红、黑等颜色的图案。

四、 西欧中世纪艺术

梅洛温王朝：482-751

加洛林王朝：751-987，其最引人注意的是精湛的象牙浮雕、贵金属镶嵌雕饰和色彩鲜艳的绘画插图。

五、 仿罗马艺术

六、 哥特式艺术（12世纪-16世纪）

十二至十六世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。这种建筑风格，一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。反映了教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。

建筑：该风格应用于建物时，特色是尖塔，色彩鲜艳，夸张线条。该种建筑虽曾于欧洲全境流行，不过在欧洲文艺复兴时期，一度颇为被藐视。

绘画：在哥特建筑和哥特雕塑出现大约50年后，哥特绘画风格在13世纪的时候开始展露， 从罗曼风格至哥特风格的过渡并没有明显的界限，但是我们可以发现这一时期的绘画风格较之于前更加沉闷，黑暗和情绪化。这种转变在1200年左右始于英国和法国，1220年左右发展至德国，1300年至意大利。哥特绘画主要以4种形式出现：壁画，板画，插图和花窗玻璃画。 作为早期和罗马传统的延续，在南欧壁画一直被教堂作为主要的图像表述方式。

七、 文艺复兴时期的艺术（14-16世纪）

文艺复兴美术是西欧城市文化繁荣的产物，同时它与教会关系密切。在绘画上的成就最大,建筑和雕刻则稍逊之。文艺复兴美术最初发源于意大利的佛罗伦萨，随后逐渐向欧洲各地传播，在意大利和德国、尼德兰尤甚，在这些地区都产生自己杰出的艺术家。文艺复兴美术在南欧和北欧都有自己的特点，作为文艺复兴美术中心的意大利，成为后来几个世

纪里，欧洲艺术家们的朝圣地。

代表人物：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔被誉为文艺复兴三杰。

绘画: 在文艺复兴时代，形成了许多地方画派。众多的地方画派是意大利诸多城市共和国的反映。城市经济的繁荣带为文艺复兴美术的展开提供了丰富的土壤。比较著名的有佛罗伦萨画派、锡耶纳画派、威尼斯画派、翁布利亚画派、帕多瓦画派、折衷画派(博洛尼亚)。佛罗伦萨画派是文艺复兴时期第一个重要的画派。威尼斯画派则是另一个重要画派，以运用色彩而称名，其他各个画派都有自己的特色。当然，那个时代人才的流动频繁，画派只是一种艺术流派的模糊区分。画家们开设画坊，他们的客户不仅是教会，还有贵族、商人，由于订件过多，画家往往和助手们一起完成。

代表作：《犹大之吻》乔托《天使报喜》·托马索。《春》《维纳斯的诞生》·波提切力。《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《圣母子与圣安妮、圣约翰》《岩间圣母》·达芬奇。《西斯廷圣母》《雅典学院》拉斐尔

建筑：哥特式的建筑在意大利的影响不大，有着古罗马和古希腊艺术底蕴的意大利和欧洲其他地方有着差异，文艺复兴运动兴起后，意大利的建筑师开始在吸收古代建筑的特色，诸如柱式、浮雕等。同时，他们也不断创造新的形式，如增加窗户数目等方法，并应用到新的建筑设计上。布拉特曼设计了格拉齐圣母堂、罗马掌玺大臣官邸等建筑。圣母百花圣殿的是文艺复兴建筑在佛罗伦萨的代表作，多名艺术家参与了该教堂的建造，乔托、布鲁内莱斯基，特别是由布鲁内莱斯基设计的圣母百花圣殿大圆顶，16世纪，文艺复兴建筑的辉煌在罗马展开，由于教廷的支持下，艺术家们开始使用文艺复兴的风格装点罗马城。圣伯多禄教堂是意大利文艺复兴时期的精品之作，建筑师与艺术家勃拉芒特、拉斐尔、米开朗基罗和小莎迦洛等都曾参与设计。作为另一个艺术中心，威尼斯的建筑有威尼斯总督

府、圣马可图书馆、圣乔治教堂。在法国，在君主弗朗索瓦一世带领下，延请意大利的艺术家北上，兴建丹枫白露宫、香堡、布卢瓦城堡等宫殿建筑，这些建筑在带有文艺复兴风格的同时，往往还带有法国本民族的审美趣味。

代表作：圣母玛利亚教堂、佛伦伦萨教堂

雕刻：1240年，比萨办起了一所雕像和徽章制作的学校，尼可拉·乔凡尼便迁来比萨，他和其子乔凡尼·皮萨诺是早期，他们一起合作设计了许多作品。14世纪40年代黑死病袭击整个欧洲，使得文艺复兴运动受到了影响。雕刻也不例外。在沉寂了一段时间后，文艺复兴运动开始重新兴起，洛伦佐·吉贝尔蒂是15设计上半叶最重要的雕刻家。他的主要作品是佛罗伦萨洗礼堂的铜门，为此，他前前后后花了数十年的时间，这就是著名的天堂之门。15世纪另一个著名的雕刻家是多那太罗，文艺复兴初期写实主义与复兴雕刻的奠基者，对当时及后期文艺复兴艺术发展具有深远影响。15世纪著名的雕刻家还有安德烈阿·德尔·维洛及欧、安德烈阿·德尔·洛比亚、安东尼奥·洛些利诺等。进入16世纪，三杰之一米开朗基罗不仅在绘画上还在雕刻显现出自己的才华。16世纪的另一个值得关注的是，法国在君主弗朗索瓦一世的治下达到了一个文化繁盛期，许多艺术家被请往法国，在丹枫白露宫开始为法国国王进行艺术创作。在这其中，著名的雕刻家有罗索、普力马提乔、契里尼。

代表作：《大卫》《最后的审判》《昼》《夜》《圣母怜子》米开朗基罗

八、 巴洛克艺术（1600年 -1750年）

“巴洛克”惯指的时间是17世纪以及18世纪上半叶(约1600年 -1750年），但年份并不代表绝对的艺术风格，特别是建筑与音乐。这一时期，上接文艺复兴(1452年 -1600年)，下接新古典时期、浪漫时期。

油画：巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯盖兹、英国的凡·戴克、意大利的贝尼尼和卡拉瓦乔等。他们的画作人体动势生动大胆，色彩明快，强调光影变化，比文艺复兴时代画家还要更强调人文意识。鲁本斯的宗教画人体姿势动作激烈，色彩鲜明；伦勃朗的画作如同在舞台上，人物面部处于高光部位，与周围的阴影有强烈的对比；委拉斯开兹的“宫女”，背景中在窗外射入光线下工作的织女，曾经对后期浪漫主义画派画家产生很大的启示。

建筑：巴洛克时期的建筑物，一方面有着更强烈的情绪感染力与震撼力，另一方面引人注目、炫耀教会的财富与权势。新的建筑风格尤其体现出新宗教教派的时代背景，例如戴蒂尼会（Theatines）与耶稣会，其目标是增进宗教的普遍与虔诚。十七世纪中叶，巴洛克风格转而表现于豪华宫殿上，首先在法国－－如拉斐特城堡（Château de Maisons，12），位于巴黎附近、由弗朗索瓦·芒萨尔设计－－随后遍及欧洲。

文艺复兴为意大利宫廷带来财富与权势，是世俗与宗教力量的结合。巴洛克则，至少在初期，是与反宗教改革－－天主教会内部对应宗教改革的革新运动，有直接关联的。天特会议（1545–1563）普遍被认定是反宗教改革的开端。

意大利和法国：

意大利主要受巴洛克宗教建筑的影响，特别是罗马宗座圣殿的范式，有十字穹顶和中殿。巴洛克世俗建筑的中心在法国，那里早在16世纪就将宫殿的开放三翼布局作为标准方案。但是到萨罗蒙·德·布洛斯设计的卢森堡宫（建于1615年-1620年）才确立了巴洛克建筑样式

九、 洛可可风格（18世纪）

洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。

洛可可最先出现于装饰艺术和室内设计中。路易十五登基，给宫廷艺术家和一般艺术时尚带来了变化。在老国王在任的晚期，巴洛克设计逐渐被有着更多曲线和自然形象的较轻的元素取代。这些元素在Niclas Pineau的建筑设计上有明显的表现。在摄政时期（1715-1723年，路易十五还是个孩子，政权由其叔摄政），宫廷生活不再局限于凡尔赛宫，艺术风格亦随之而转变，最初在皇宫，然后是整个法国上层社会。纤细和轻快的洛可可风格设计被视为是伴随着路易十五的过度统治而来。

室内设计：在德国，斯都格的Castle Solitude和奥拉宁堡的中国宫、维斯的巴伐利亚教堂和波茨坦的无忧宫都是欧洲洛可可风格建筑的例子。

在欧陆，洛可可风格以抽象的火焰形、叶形或贝壳形的花纹、不对称花边和曲线构图，展现整齐而生动的、神奇的、雕琢的形式。洛可可风格设计，不论使用在室内设计方面或者家饰品设计，甚至建筑外观设计上，都令人无法忽视。框缘的建筑的部份中如画的、细致的、形状独特地表现于塑造性物料如木雕和雕塑 中（如Wessobrunner School)的装潢）。墙、天花、家具、金属和瓷器制的摆设展现一种统一风格的和谐。相比起巴洛克品味带着丰富强烈的原色和暗沈色调，洛可可崇尚柔和的浅色和粉色调。

油画：洛可可风格亦从建筑设计中的纯粹装饰艺术伸延至绘画上。洛可可画家选用清淡鲜明的颜色和精致的曲线构图，喜欢用基路伯小天使和爱情神话中等来点缀画中氛围，令画面变得优美而神秘。

洛可可风格细致地表现在人像画中；画中人不再是神、圣人或骑士，而是宫廷的朝臣、贵族等，颜色细致、淡雅，人物纤细。一些画像亦显示当时美学开始离开宗教、国家等思

想方向；不再表现人物的端庄神圣，开始表现得有点不纯洁和不道德。而洛可可的风景画则是田园诗式的，多数描写贵族的男男女女在悠闲地游山玩水。

十、 新古典主义（18世纪）

是一种新的复古运动。兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动，影响了装饰艺术、建筑、绘画、文学、戏剧和音乐等众多领域。新古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念(亦即反对华丽的装饰，尽量以俭朴的风格为主)。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。

建筑：新古典主义建筑源于17世纪的法国。凡尔赛宫是新古典主义建筑风格的典范，它以极具规范的富丽堂皇气派同盛期巴洛克的装饰性风格相对抗，对欧洲美术产生了巨大的影响。

绘画：以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级形势需要在美术上一场借古开今的潮流。所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时,因为这场新古典主 义美术运动与法国大紧密相关,所以也有人称之为\"的古典主义\"。

代表作：《马拉之死》、《荷拉斯兄弟宣誓》大卫。《泉》《土耳其浴女》安格尔

代表画家：大卫，安格尔。

十一、浪漫主义（19世纪）

浪漫主义是开始于18世纪西欧的艺术、文学、和文化运动，大约就发生在1790年工业开始的前后。它注重以强烈的情感作为美学经验的来源，并且开始强调如不安、惊恐等情绪，以及人在遭遇到大自然的壮丽时表现出的敬畏。浪漫主义是对于启蒙时代以来的贵族和政治文化的，以艺术和文学反抗对于自然的人为理性化。浪漫主义重视民间艺术、自然、以及传统，主张一个根基于自然的知识论，以自然的环境来解释人类的活动，包括了语言、传统、习俗。浪漫主义受到了启蒙运动的理念影响，也吸收了中世纪文化复古的艺术成分。“浪漫”一词来自于“romance”—代表了源于中世纪文学和浪漫文学里颂扬英雄的诗赋风格。

法国大和工业里发生的事件和其背后的意识形态也影响了浪漫主义运动。浪漫主义致力于宣扬那些在他们看来被忽略了的英雄个人所达成的成就，它正当化了个人的艺术想像力，并将其作为最重要的美学权威之一，突破了对于艺术的传统定义。浪漫主义对于历史和自然题材的强烈诉诸，便是形成这种理念的基础。

绘画：十九世纪初叶，资产阶级民主时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。代表作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由领导人民》。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。

在艺术创作中，浪漫主义强调艺术家的主观创造性，表现出对于历史的兴趣和对社会现实中重大事件的关注，另外在对历史怀念的同时又表现出对东方异国情调的向往。

在艺术表现上，浪漫主义与古典主义学院派是完全对立的，它反对纯理性和抽象表现，强调具体的、具有特征的描绘和情感的传达；反对类型化和一般化，主张表现个性化，描绘人物的性格特征和精神状态；反对用古代艺术法则来束缚艺术创作，主张自由奔放热情的主观描绘，使艺术家的感情在创作中得到充分的传达；反对刻板的雕刻般造型和过分强调素描为主要表现手段，竭力强调光和色彩的强烈对比上的饱和色调，以动荡的构图、奔放而流畅的笔触，有时以比喻或象征的手法塑造艺术形象，借以抒发画家的社会理想和美学理想。

代表画家：德拉克洛瓦-《自由引导人民》《萨尔丹纳帕勒之死》《但丁之舟》

法国米勒-《拾穗》科罗-《戴珍珠的妇女》《蒙特枫丹的回忆》

十二、现实主义

指十九世纪中叶以来在欧洲兴起的艺术运动，包括许多不同的形式风格：具象的和非具象的，写实的和非写实的等。

印象派：

早期印象派指19世纪末的艺术运动，他所关心的事去记录自然，人生的浮光掠影或稍纵即逝的偶然景象。

画家：雷诺阿——复制停留在视网膜前的景象。

莫奈——《草地上的午餐》《日出》

后期印象派注重形体表现光学的视觉变化，而忽略了古典艺术在形式和结构上的要求。批评单纯的模仿自然表面，主张从自然中发掘新的形式和结构

画家：修拉

梵高以扭曲漩涡般的笔触来表现激荡的生命力。

高更以象征的手法暗示出内心难以言喻的体验。

塞尚画中的风景，山树水海湾和房舍只是一块块几何形状的色块。

象征派：关注从原始生活和宗教中传达出来的神秘的寓意以及人的心灵活动中的讯息。

莫罗。色欲和宗教情感的冲突，远离现实的幻想世界，也表现了人类潜意识的活动。代表作：《显灵》《丘比特和塞美蕾》

表现派和野兽派：表现艺术课追溯到1880年，它试图找回艺术的意义，将色彩和线条由纯粹表现景象的功能中出来，并探讨色彩和线条的象征价值，以及瞬间外观现象后面的真实的永恒结构。

野兽派指1905年巴黎秋季沙龙画展上的一群青年画家，评论家评论他们的创作精神如野兽般勇猛，他们绘画笔触的感动力以及色彩气魄壮烈，仿佛山野中野兽惊人的怒吼。

马蒂斯是前卫艺术的先驱。《和谐的红色》《舞蹈》。孟克《呐喊》

立体派：是流行于19世纪末和20世纪初的艺术流派，是继野兽派后兴起的另一种艺术潮流。它在绘画的构图和形体的表现方面所带来的观念和实践堪与文艺复兴比。

画家：毕加索《年老的吉他》《格尔尼卡》《阿维农的姑娘》

康定斯丁·勃兰 《玻加尼小姐》《X王妃像》（雕塑）

达达主义和超现实主义：一战后，在巴黎和瑞士出现了被称为达达主义（法语，木马的意思）的画家。达达主义是激进的虚无主义，在他们眼中，欧洲的传统文化价值已经失去意义。达达主义表现出一种厌弃的心理，对欧洲传统式的感伤和虚伪有难以控制的愤怒。

画家：美国杜尚：《泉》《长胡子的蒙娜丽莎》

超现实主义是20世纪初的一个极有影响的艺术运动，它继承了浪漫主义的想象和象征派在符号上的运作。超现实主义画家相信生命中发生的苦难和喜悦的时件都可能在潜意识的世界中浮现。

抽象主义：自1910年在二战后达到高潮。抽象主义绘画反对艺术临摹自然的传统。它关心从自然中抽出某些性质的形态来构成绘画。

普普主义：于20世纪50年代但是于英国，在20世纪60年代流行于美国。它是对抽象表现派的挑战，它以写实来取代抽象，以概念的策略来取代即刻的表现性，并以呈现广大群众的生活为主。

汉米尔顿是英国普普主义的鼻祖，，他主张将美学带入城市的生活中，认为杂志招贴广告和宣传单都可以被视为商业艺术。

沃霍《25个彩色的玛丽莲·梦露》表现一种遗憾，梦露虽然是明星，观众却只能以性感形象来诠释她。